Jean Le Tavernier illustratore del “Romuleon”: un’analisi stilistica e ideologica

Il Romuleon è un’opera in latino che narra la storia di Roma, dalle origini fino a Diocleziano. Venne scritto da Benvenuto da Imola, nella seconda metà del XIV secolo. In séguito ne furono realizzate due diverse traduzioni: nel 1460 il Romuléon MS 850 di Jean Miélot, per Filippo il Buono, Duca di Borgogna; nel 1466 il Romuléon di Sébastien Mamerot, per Louis de Laval, signore di Châtillon.

Una seconda versione latina fu scritta da Adamo Montaldo intorno al 1490.

La traduzione di Mamerot è stata pubblicata in una moderna edizione nel 2000.

Una delle versioni del Romuleon più riccamente illustrate è trasmessa dal manoscritto 9055, eseguito per ordine di Antoine de Bourgogne (figlio illegittimo di Filippo il Buono) e completato nel 1468.

I 322 fogli di pergamena sono stati vergati da David Aubert, mentre le miniature a grisaille (pittura chiaroscuro, nei toni del grigio che imitano l’effetto del bassorilievo, dando all’immagine un’evidenza scultorea, e spesso un tono austero e cupo, se non tragico ed opprimente) sono state realizzate da due diversi artisti.

Le più pregevoli sono ad opera di Jean Le Tavernier, uno degli artisti più originali della corte di Borgogna.

Di 82 miniature, 67 sono dedicate a soggetti violenti e cruenti. Il programma iconografico, accanto ai temi spesso ripetuti, presenta nuove scene che corrispondono alle preoccupazioni del tempo. L’onnipresenza della guerra e la paura del tradimento rispecchiano le difficoltà presenti all’inizio del regno di Carlo il Temerario.

Le guerre rappresentate sono medievali. Questi anacronismi, tuttavia, non escludono la volontà di ricalcare con precisione il testo, o di renderne più chiara la comprensione.

In tale ottica, per le guerre di conquista, le miniature sono più dettagliate del testo. Di fatto queste guerre di conquista sono precedute dalle cosiddette “guerre di difesa”, combattute contro i popoli più vicini, che per Roma terminarono nel momento in cui essa conquistò definitivamente il Lazio e partì alla conquista dell’intera penisola.

Per le guerre puniche, il miniatore accentua la propensione dell’autore a favore dei Romani.

Ecco la miniatura che rappresenta il dittatore Camillo impegnato in una campagna contro i Volsci e gli Ercini:

Il testo fa riferimento al saccheggio e all’incendio di Roma da parte dei Galli. Dunque, il miniatore rappresenta una nuova città tutta in pietra, con fossato e fenditure per i cannoni (ultimo perfezionamento apportato), ma mostra anche la resistenza di Camillo contro le rivolte dei Volsci e degli Ercini.

A sinistra è raffigurato un esercito ordinato di dodici cavalieri fuori dalla città. Marco Furio Camillo è il soldato più grande, l’unico con un pennacchio nero sull’elmo, seguito da uno stendardo nero in cui è scritto il suo nome a lettere d’oro. I suoi compagni sono rappresentati dietro di lui di tre quarti; il suo volto è l’unico visibile, insieme a quelli degli uomini della retroguardia. I cavalieri sono in armatura completa con i loro elmi, i cavalli sono poco agghindati, ma le selle sono molto grandi. L’esercito aggira una montagna con forti pendenze. Il testo sottolinea l’incendio di case provocato da Camillo per ottenere la resa del nemico.

A destra, il miniatore rappresenta una battaglia mortale. L’immagine, inoltre,
preannuncia l’assimilazione dei vinti da parte dei vincitori, perché gli uni non si differenziano dagli altri, se non per la loro posizione e per il numero dei vivi e dei morti.

La miniatura suggerisce inoltre una svolta decisiva dell’esercito e dello stato romano sulla base della figurazione di due tipi di cavalieri. Il primo, indossando un cappello multicolore, ed essendo armato con una scimitarra, evoca una fase arcaica (associata all’esotismo, all’oriente, alla diversità, alla barbarie, all’ignoto, alla minaccia), mentre il secondo, in armatura del XV secolo con la spada puntata al cuore di una delle città da conquistare, illustra in chiave positiva gli ulteriori sviluppi della civiltà.

L’immagine inoltre lascia supporre una vittoria sui Galli finalizzata a bilanciare il sacco di Roma (episodio che non corrisponde né al testo né alla realtà) tramite lo stendardo dei vinti, azzurro con tre fiori d’oro.

Le miniature raffigurano, poi, vari tipi di tradimento, e ispirano una riflessione sulla gravità del crimine. L’aspetto più importante è però costituito dalle conseguenze di queste azioni. Il tradimento viene condannato dal miniatore.

In questa miniatura, ad esempio

Filippo  V di Macedonia mette a morte suo figlio Demetrio. Poi, costretto a letto, muore di dolore.

Il testo sottolinea la popolarità di Demetrio (artefice della pace con i Romani) e la nascita legittima dello stesso (mentre questo non è il caso di Perseo). Più che sulla discordia tra i due fratelli e sull’accusa di Perseo, l’enfasi è posta sull’odio antiromano. La bugia di Perseo conferma le paure di Filippo, che si sente tradito dai suoi alleati e dal figlio più giovane.

Il testo non specifica il modo in cui Demetrio è morto (quando in realtà è stato avvelenato nel 181). La miniatura denuncia le circostanze storiche che hanno portato all’ossessione patologica del tradimento.

Nella prima parte della miniatura, Filippo V di Macedonia, seguendo il cattivo consiglio del suo figlio maggiore (a sinistra, con una cappello a becco, probabile simbolo demoniaco), dà l’ordine di giustiziare il minore, ingiustamente sospettato. La testa di Perseo, il calunniatore, è al di sopra dell’elsa della spada. Una linea verticale, concretizzata nella piega del vestito, fa da collegamento con il corpo di suo fratello per sottolineare la sua responsabilità nell’esecuzione.

Demetrio, un nuovo Isacco, si sottomette alla volontà del padre. La punta della spada del boia è rivolta simbolicamente verso la testa dell’agonizzante. Sulla destra, infatti, Filippo si trova disteso a letto, abbandonato da tutti. Lo sguardo che rivolge verso il supplizio chiarisce la ragione del suo dolore.

(Emma  Santoro, Greta Calderoni, Beatrice Mazzini)

N. B. Per la ricerca ci si è avvalsi, fra l’altro, del prezioso studio di Christiane Raynaud.


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